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Exposición de Goya, Miró y Picasso

Inauguración: 16 de septiembre, 19h00
Del 16 de septiembre al 15 de diciembre de 2006
Lugar: Galería principal, Galería de Cristal, Sala de Ciencias y Salas de exposiciones temporales

El Banco Pichincha y Diario el Comercio en conmemoración de sus Cien Años y La Pontificia Universidad Católica del Ecuador en su Año Jubilar presentan en esta ocasión una muestra excepcional: obras de Goya, Picasso y Miró que estarán a la vista y al disfrute de todas y todos nosotros durante varias semanas.

De la rica producción pictórica de estos tres monstruos de la plástica hispana se ha extraído una esencial antología, podríamos decir que se trata -y nunca mejor dicho- de una apretada síntesis del genio creador de cada uno de los tres artistas.

¿Es Goya el iniciador de la pintura española de vanguardia? Los entendidos en artes plásticas tienen la palabra para dar adecuada respuesta. Entendidos y profanos estarán concordes en que Francisco de Goya y Lucientes es el pintor fuera de serie de la segunda mitad del siglo XVIII (en pleno neoclasicismo) y primeros veinte años del siglo XIX (romanticismo). Sería un error encuadrar su obra en cualquiera de estos dos movimientos estéticos, pues los excede, los trasciende. Es, como hemos dicho: fuera de serie, inclasificable, irrepetible.

Dicen que Goya consideraba sus maestros a Velásquez, Rembrandt y la Naturaleza. Si captamos el colorismo de su primera época, habrá que pensar también en el italiano Tiépolo. Si entramos en el espíritu y la técnica de sus últimas creaciones, evocaremos irremediablemente la enorme figura de El Greco.

En cuanto a Picasso, tendremos ocasión de contemplar en esta muestra su itinerario estético y técnico: encontraremos la marca del impresionismo en las pinturas anteriores a la llamada época azul, y aun en esa misma fase de su vida y de su obra, lo veremos después transitar por un expresionismo "a su manera", para verle invadir y señorear triunfante el más acrisolado cubismo.
Finalmente Joan Miró, algo más de dos lustros más joven que Picasso, será uno de los firmantes del Manifiesto surrealista (1924), y seguramente suscribiría las palabras del prefacio al primer número de la revista La révolution surréaliste, que apareció ese mismo año: "Como el proceso del conocimiento ya no tiene lugar, y la inteligencia no se tiene ya en cuenta, solo el sueño deja íntegro el derecho del hombre a la libertad".

Es pues, el surrealismo el ambiente en el que se mueve cómodamente Miró. Sin embargo, como también veremos en esta exposición, no se ata a él dogmáticamente. Sentirá siempre, como también se dice en el citado prefacio, que "Gracias al sueño, la muerte no tiene ya un sentido oscuro y el sentido de la vida se vuelve diferente".

Esta exposición de los Tres grandes de España ha sido posible gracias a una alianza estratégica concertada por tres instituciones: el diario El Comercio, el Banco del Pichincha y la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Una empresa de comunicación, una empresa bancaria y una institución de educación superior han aunado esfuerzos para que el público ecuatoriano -y especialmente el quiteño- puedan apreciar una selecta muestra pictórica en la que se exhiben obras de Goya, Picasso y Miró. Tampoco habría sido posible sin la siempre generosa cooperación de la Embajada de España y el Ministerio de Relaciones Exteriores.

Fidel Egas Grijalva, Banco Pichincha,
Guadalupe Mantilla de Acquaviva, Diario el Comercio,
Manuel Corrales Pascual S.J., Rector de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador

Presentación de la exposición
Gaby Costa

Es muy grato y de gran satisfacción para mi, dedicar unas pocas palabras introductorias a la gestión realizada por las tres Instituciones Diario El Comercio y Banco del Pichincha en conmemoración de sus 100 años y la Pontificia Universidad Católica del Ecuador en conmemoración de su Año Jubilar que llevan la posta en la organización de la exposición de obra gráfica y cerámica, intitulada TRES GRANDES DE ESPAÑA,

Esta aventura cultural, empezó hace un año y medio cuando con un poco duda e incertidumbre , pero con mucha emoción e ilusión, se planteo la idea de traer a nuestro país, una muestra tan vasta y tan rica, de tres artistas protagonistas y genios del arte universal, como el genial pintor Francisco de Goya y Lucientes, la figura excepcional de Pablo Ruiz Picasso y el gran artífice del arte surrealista Joan Miró. Digo con duda e incertidumbre, porque al plantearnos la posibilidad de gestionar una muestra de tal calidad, costos muy altos, la logística de gestión y con una camino por recorrer, no fue fácil, pero tampoco difícil, en el trayecto se fue alivianando porque todas las personas que participamos en la gran tarea de organizar la muestra, nos adueñamos de los tres grandes para poner ante el publico un total de 10 colecciones con 339 obras ORIGINALES.

Siendo la primera exposición de ésta magnitud en Quito, me atrevo a decir que es una muestra de lujo, puesto que es un privilegio para nuestra ciudad y porque no decirlo, para el país entero, disfrutar de la cultural de tres artistas famosos reunidos en un solo espacio y aquí en este Centro Cultural, exposición en donde se unifica la cultura, la sensibilidad y la historia.

Museogràficamente la exposición está dispuesta de manera cronológica por cada artista: Goya en el primer piso con las siguientes colecciones, OBRAS ORIGINALES: 80 estampas de la serie LOS CAPRICHOS, 40 estampas de la serie TAUROMAQUIA, y 18 estampas de la serie LAS LOCURAS , llamada también de LOS PROVERVIOS.

Picasso en el segundo piso, con las colecciones ORIGINALES: 4 obras de BARCELONA SUITE, colección EL MAGNÌFICO CORNUDO con 12 grabados y la serie LA CELESTINA con 66 grabados.

Mirò, en el tercer piso con las colecciones ORIGINALES Ubu Roi en blanco y negro y a color con 26 obras, Maravillas sin variación, 21 obras, El martillo sin dueño 23 obras y Las Penalidades en un total de 25.

No quiero terminar sin agradecer sinceramente el invalorable apoyo que desde el inicio de este gran proyecto nos brindó la Embajada de España en la persona del Doctor Juan María Alzina, de igual manera nuestro agradecimiento al Ministerio de Relaciones Exteriores.

Así mismo agradezco a cada una de las personas responsablemente comprometidas, que participaron en las diferentes mesas de trabajo representando a las tres instituciones, obteniendo el éxito alcanzado.

Sin duda, que esta alianza estratégica del Diario El Comercio, Banco del Pichincha y la Pontificia Universidad Católica del Ecuador, es la de potenciar el desarrollo cultural y educacional del país.

Doy la bienvenida a los presentes a que se deleiten y disfruten de esta experiencia directa con el arte.

"LOS TRES GRANDES DE ESPAÑA"

Introducción:

"Los 3 grandes de España" trae a nuestro país un fragmento de la historia del arte universal, donde confluyen, en un mismo espacio, tres personalidades artísticas que difícilmente pueden ser categorizadas dentro de un solo estilo o movimiento, por la intensidad y complejidad de su obra. Francisco de Goya, Pablo Picasso y Joan Miró nos conectan directamente al corazón artístico y cultural de España.

Las obras pertenecientes a esta exposición, además de su valor estético, poseen una multiplicidad de connotaciones ligadas a su época en diversos aspectos: culturales, sociales, políticos, históricos, literarios, artísticos, etc.

Es así como en las colecciones de Francisco de Goya y Pablo Picasso, un carácter profundamente humano se traspasa directamente a sus creaciones, fruto de la sensibilidad de ambos, abierta vorazmente a la vida y a la cultura que los rodeaba. Por otro lado, en las series de Miró, penetramos de golpe en un lenguaje artístico que responde a otros códigos, y que busca llegar a una desnudez profunda y sensible, a través de obras que se constituyen como verdaderos poemas visuales, queriendo transmitir la inmediatez de la vivencia poética surrealista.

En las series pertenecientes a esta exposición, se despliega con extraordinaria fuerza y atractivo, el universo simbólico de cada uno de estos artistas. Así como su manera de comprender y concebir el arte, que se traduce, principalmente, en entenderlo como un lenguaje; un instrumento de conocimiento y de comunicación. Esta exposición, compuesta por más de trescientas obras gráficas y algunas cerámicas y esculturas, representa sin duda una maravillosa oportunidad de acercar e involucrar a adultos, jóvenes y niños, al universo inventivo y genialidad de "Los 3 grandes de España".

Pablo Picasso (Málaga 1881- Mougins 1973)

Colección "Le Cocu Magnifique" Farce en trois actes ( "El magnífico cornudo"Farza en tres actos")

12 OBRAS

Técnica: incisiones de aguafuerte y aguatinta
Año de edición: 1968
Edición: 200 ejemplares editados y publicados por Fernand Crommelynck

Fragmento teatral de Fernand Crommenlynck, esta pieza fue representada por primera vez el 18 diciembre 1929, en el teatro de la Maison de l'Oeuvre. Picasso, que conocía la obra de Crommenlynck, siempre tuvo la voluntad de proyectarla. La ocasión se presento en los años cuarenta, en la época en que el maestro español conoció a Aldo Crommenlynck, hijo del anterior. Durante diez años, de 1963 a 1972, la colaboración entre ambos fue intensa.

El texto de la comedia fue publicado en el 1921. El relato narra la historia de un hombre, Bruno, que a causa de sus fuertes celos, termina por perder su esposa, Stella. La pieza, describe principalmente los problemas causados por los celos en las relaciones amorosas. El modo con que Picasso interpreta esta producción es muy desinhibido, lo que corresponde claramente a su carácter y personalidad artística. Picasso recoge sus propios conocimientos mitológicos y asocia la figura del protagonista a la del minotauro, uno de los personajes paradigmáticos de la obra picassiana, cargado de simbología, contenido y misterio.

"Le cocú magnifique" la figura del minotauro, sin embargo, se ve ridiculizada, al otorgarle un tono de torpeza a la lujuria característica con que se asocia a este ser mitológico. Sus acciones son presentadas como una pantomima que, más que divertir, lleva al espectador a sentir piedad y conmiseración por el personaje.

Colección "La Célestine"

66 OBRAS

Técnica: incisiones al aguafuerte y al aguatinta
Año: 1968
Edición: la serie fue publicada por la Galería Louise Leiris en el 1971 en una edición de 400 ejemplares, Fequet et Baudier, Paris por el texto y la tipografía; Atelier Crommelynck de Paris para las incisiones
"La Celestina", junto con "El Quijote" de Miguel de Cervantes, forma parte de las obras mas significativas de la literatura española. Esta categoría le es concedida gracias a su dialogo vivaz y en prosa, a sus personajes muy bien caracterizados y a la cuidadosa descripción de las tradiciones y costumbres de España en el periodo de transición entre el Medioevo y el Renacimiento.

La tragicomedia de "Calixto y Melibea" rebautizada con el nombre de la protagonista "Celestina", es un romance dramatizado en 22 actos, creado por Fernando de Rojas (1468-1541) y publicado en Burgos en el 1499. La atención de Picasso en esta obra, está focalizada en los encuentros amorosos organizados por Celestina y desarrollados en su presencia. Las 66 aguafuertes realizadas entre marzo y octubre del 1968, hacen parte de la famosa serie "347" de Picasso, y presentan al enamorado y a su amante casi siempre en compañía de la "Celestina", que viene presentada como una anciana menuda colocada en un contexto de contemplación erótica, en medio de los encuentros nocturnos de los amantes.

Colección "Barcelona suite"

6 OBRAS

Técnica: litografía en colores
Año de edición: 1966
Edición: 60 ejemplares editados por el museo Picasso de Barcelona y firmadas por Pablo Picasso.
5 cerámicas
1 escultura en bronce de pequeñas dimensiones
En la serie "Barcelona suite" se presenta una especie de revisión a diferentes obras pictóricas, pertenecientes a diversos estilos por los cuales transitó Picasso. Lo interesante es constatar como en la diversidad de estilos su marca personal, su constante picassiana, se hace presente categóricamente. Pasajes por el período azul de Picasso ("Madre e hijo con manto"), el rosa ("Retrato de la señora Canals"), tintes cercanos al cubismo y al realismo ("El arlequín") e incluso algo postimpresionistas ("bailarina enana") emergen desde los distintos retratos de esta colección, potentes en su expresión, uso del color y técnica.

Barcelona Suite CERÁMICAS

Picasso se introduce en el mundo de la cerámica de manera casual. En el verano de 1944, él y su compañera Françoise Gillot se instalan en Golfe-Juan, en la Costa Azul. Desde allí hacen una excursión al pueblo de Vallauris, donde conocen al matrimonio Ramié, propietario del prestigioso taller de cerámica Madoura. Los ceramistas les invitan a visitar su taller. Picasso modela unas piezas y queda cautivado por esta técnica tan arraigada en la cultura mediterránea. Al año siguiente regresa con unos proyectos. Es el inicio de una aventura que se prolongará hasta el final de su vida y que deja una abundante producción que da fe de su pasión por este arte.

Suzanne Ramié, ceramista experta, le introduce en este mundo. Con ella aprende a trabajar la arcilla blanca extraída del mismo Vallauris. Ella le enseña a trabajar los esmaltes que, en esos momentos, ya son industriales y a cocer en hornos eléctricos a una temperatura de 1.100º. Ayudado por los torneros que le preparan la pasta, y por los decoradores que le ponen a punto el esmalte, trabaja con su estilo personal y libre sobre numerosos soportes, sin que la forma le cohíba en absoluto: piezas planas, jarras, botellas, orzas, cuencos, azulejos, etc. En algunos casos incluso se atreve a manipular la pieza, distorsionándola para aumentar la expresividad y alterar el equilibrio. Los temas son los habituales de su obra: el mundo mitológico de los faunos y sátiros, los animales -sobre todo la paloma y la cabra-, la corrida, la figura humana, personajes como el Quijote, etc. Picasso se distancia de la tradición decorativa de la cerámica y, como en la pintura, crea su propia tradición, de la cual podemos disfrutar en la presente colección.

Joan Miró (Barcelona 1893 - Palma de Mallorca 1983)

Colección "Ubu Roi"

26 OBRAS

Técnica: litografías a colores
Año: 1966
Edición: serie editada da Tériade en 204 ejemplares n. 94, estampada el 29 de baril 1966, estampada el 29 de abril 1966, el texto estampado por Imprimerie Nationale de Paris y la tipografía de las litografías hechas por Atelier Mourlt en Paris.
En el 1966, Miró empezó a trabajar en el mundo de la ilustración y en el mismo año llevo a cabo 13 litografías a color para ilustrar la obra del comediógrafo Alfred Jarry "Ubu Roi", representada por primera vez en el 1896.

Concebida originariamente como un espectáculo para marionetas, subió al escenario teatral suscitando escándalo. Es una sátira áspera, que condena el egoísmo, el arribismo inmoral y la hipocresía que se oculta en las convenciones sociales. La trama, invadida por el humor, la sátira y el sarcasmo, se mide con la elegía de la hermandad de los vencidos y de los miserables marginados. "Ubu" es la caricatura grotesca de un tirano cobarde, que en su lenguaje y acciones parodia las conversaciones de la literatura heroica. El resultado es una especie de lectura "fabulosa" de la realidad social que permite organizar los estímulos decantados de la memoria recóndita, en una continuidad alegórica enfocada a exaltar la poesía surrealista.

Colección "Le marteau sans maître" ( "El martillo sin dueño")

23 OBRAS

Técnica: aguafuerte y aguatinta a colores
Año: 1976
Durante los dos últimos decenios de su vida, Miró siguió dos direcciones en su producción gráfica. Por un lado, se internó en la ilustración de antiguos textos, y por otro, colaboró entusiastamente con artistas amigos, ilustrando obras de sus coetáneos, entre los cuales figuraban Michel Leiris, Robert Desnos e Rene Char, exponentes del movimiento surrealista de los años treinta. Para este último, ilustro dos escritos, el primero en 1964 "Flux de l'aimant", el segundo en 1976 "Le marteau sans maître" ("El martillo sin dueño"), obra de 1934, de estilo surrealista y rica en imágenes exuberantes.
La introducción a "Le marteau sans maître" sugiere la dimensión literaria que Miró admirablemente tradujo en imágenes, a modo de poemas visuales: "¿Hacia cuál mar tormentoso, ignorado hasta por poetas, podía proseguir, en el 1930, este río apenas perceptible que escurría sobre la tierra en la cual, la fértil armonía se iba muriendo y en la cual la alegoría del horror comenzaba a concretizarse, este río rabioso y enigmático bautizado Le marteau sans maître? Hacia la experiencia alucinante del hombre ligado al mal, del hombre masacrado y por eso victorioso".

Colección "Maravillas con Variaciones"

20 OBRAS

Técnica: litografías
Año: 1975
Edición: serie editada en 75 ejemplares por Ediciones Polígrafa S.A., Barcelona
A finales de 1971 Rafael Alberti escribe desde Roma a Joan Miró en los siguientes términos:
"Creo tener noticias de que te gustó mi carpeta dedicada a Picasso y de que estás dispuesto a hacer algo parecido conmigo (…) Yo haría unos poemas especiales para ti, que caligrafiaría también, y tú los grabados". Tras la aceptación de Miró, se sucede una numerosa correspondencia entre ambos, para tratar de definir mejor su proyecto conjunto que va más allá de ilustrar una poesía con un grabado. Miró habla de hacer "Un acompañamiento musical para rematarlo al fin con una nota fuerte, casi brutal", confesando que no quería ilustrar un libro en su común concepción, sino que un libro que mantuviera la dignidad de una "escultura" entallada en el mármol.

En su concepción de los libros ilustrados como "objetos", se intuye la exigencia del artista de dar vida a lo inanimado, de querer buscar el ruido en el silencio, el movimiento en la inmovilidad, y en un ultimo análisis; el infinito en lo finito. Por su parte, Alberti no puede dejar de dedicar su texto al maravilloso impulso juvenil tan ejemplar y único de Joan Miró, un poema que se prestará a cierto movimiento tipográfico que podría entrelazarse con las litografías.En 1973 Alberti ya ha decidido el título de su libro: "Maravillas y variaciones acrósticas en el jardín de Miró" (aunque este sufrirá luego una pequeña variación) y envía a Miró un ejemplar manuscrito completo. Durante el año 1975 se publicará Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró de Rafael Alberti, que presenta veintidós litografías de Joan Miró, y se conecta con aquel deseo que el artista proclamó de intentar aplicar los colores como las palabras dan forma a los poemas, como las notas dan forma a la música.

Miró, en esta colección, rinde homenaje a cada uno de los poetas de la llamada "Generación del 27" siendo a su vez homenajeado. Si por una parte los versos toman inspiración de la vida de Miró y su compañera Pilar para realizar un viaje a un jardín imaginario lleno de rosas, lavandas, acacias, oleandros (Miroflor), y habitado por mariposas, grillos, y por hormigas (Miroinsecto), a su vez Miró se nutre de los versos Albertianos para proponer una reseña de sus característicos símbolos caligráficos que vuelven a las imágenes del poeta.

Colección " Les Pénalités de l'Enfer ou les Nouvelles-Hebrides " (Las penalidades del infierno o las noticias híbridas)

25 OBRAS

Técnica: litografía
Año: 1974
Edición: 220 ejemplares editados y estampados por Maeght, Paris
Miró conoció al poeta Desnos en 1925, cuando ambos frecuentaban el grupo surrealista. De esta amistad nació el proyecto de un libro. Pero ya se anunciaba la gran crisis de 1929, la guerra de España, la guerra Mundial, la deportación de Desnos…El libro no aparecería nunca.

Treinta años más tarde, Miró comienza a ilustrar un manuscrito inédito: "Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides " ("Las penalidades del infierno o las noticias híbridas"), que le fue concedido por Youki Desnos. El texto fue compuesto a comienzos del año 1922, cuando Robert Desnos volvía de Marruecos. El poeta presenta el texto ende la siguiente manera: " Es en efecto mi primera obra en prosa y la he escrito sin otro deseo que entretenerme y de llenar, bajo cualquier precio, el vacío en el que me había encontrado a comienzos de ese año ".
La presente colección se basa en la obra literaria de Robert Desnos, y nos conecta con la poesía visual surrealista de Miró. El artista escribe poemas visuales que traduce con la ayuda de signos gráficos tanto más elocuentes cuanto que producen unas resonancias múltiples en el ánimo del lector-espectador.

Francisco de Goya y Lucientes (Zaragoza 1746- Burdeos 1828)

Colección "Los Caprichos"

80 OBRAS

Técnica Incisiones al aguafuerte
Año: 1797-1798
Edición: 210 ejemplares editados por la real academia de Madrid.
La serie de "Los Caprichos" es la primera colección de grabados preparada por Goya para ser vendida como conjunto. Aquí emplea, con maestría absoluta, la técnica del aguafuerte, pero insiste, sobretodo para los fondos, en el empleo del aguatinta, con la que obtiene efectos maravillosos de oscuros aterciopelados y sombras de rara profundidad, de la que emergen los blancos puros. Probablemente, la creación de "Los Caprichos" fue lenta y hay que verla ligada a la crisis de su enfermedad en 1792, que lo hizo refugiarse en sí mismo y liberar "al capricho y la invención".

El contenido de estas estampas se consideró agudo y peligroso en su tiempo, ya que debajo de las generalizaciones abstractas, o de los planteamientos "caprichosos" sus contemporáneos veían, seguramente con razón, acusaciones más concretas, doblemente sospechosas, en los años en que, en la vecina Francia, se vivían las conmociones de la Revolución. Existen tres comentarios manuscritos que tratan de dar sentido, en breves palabras, a las estampas de Goya. El del Museo del Prado -de tono cauto y algo ambiguo-, el de la Biblioteca Nacional de España y uno en la Colección de López de Ayala; -estos dos son más directos y personalizados-; los cuales, a pesar de ciertas parcialidades, reflejan de alguna manera el pensar goyesco.

Goya trabajó en esta serie con extraordinario interés y esfuerzo. Originales por concepción y brillantes por ejecución, estas obras colocan a Goya en la tradición de los grandes pintores-grabadores como fueron Durero y Rembrandt. Para realizar esta obra maestra, el artista español trae imágenes de los obscuros recesos de su mente y de sus experiencias de vida, que hacen que esta obra miscelánea sea única en su género. En conjunto, son "Los Caprichos" parte fundamental del legado de Goya y una de las secciones de su arte que más contribuyeron a hacerlo conocido y estimado en toda Europa desde los tiempos del Romanticismo Francés.

Colección "Las Locuras" (Los proverbios)

18 OBRAS

Técnica: incisiones al aguafuerte
Año: 1815-1824
Edición: obra estampada en 50 ejemplares editados en la calcografía para la real academia de Madrid,VI edición estampada en el 1916.
Entre el 1815 y el 1824 Goya parece haber proyectado, en esta serie de 18 incisiones, recuerdos personales y alusiones a imágenes que lo acompañaron en toda su vida: desde las fantasías inspiradas en sus experiencias juveniles, a las parodias descritas en "Los caprichos", desde la crueldad de la guerra y sus fatales consecuencias, a los contenidos de los dichos populares, proverbios, textos literarios, alegorías y simbolismos de la cultura popular española.

"Los Provervios", "Disparates", o "Sueños", son seguramente los grabados de Goya más difíciles de interpretar. Obras de la vejez del maestro, quizás inmediatamente posteriores a "La tauromaquia", y recogen un ambiente espiritual próximo al de las "Pinturas Negras" (1820-1822). "Los Disparates" es la más enigmática entre todas sus series de grabados, cuyos títulos fueron objeto de muchas dudas y variadas interpretaciones.

A pesar de su carácter enigmático y polisémico (que tiene la capacidad de presentar varios significados), si pensamos en la atmósfera de cerrado pesimismo que vive el viejo Goya en los años de la restauración absolutista española, una interpretación de la serie podría basarse en el sentimiento de lo absurdo de la existencia, de lo feroz de las fuerzas del mal, del reino de la hipocresía, del fatal triunfo de la vejez, el dolor y la muerte. Desde el mundo del psicoanálisis podría ahondarse en estas dramáticas realizaciones, que, fruto quizás del subconsciente, guardan aún en sus extrañas formas, anormales asociaciones, y en su aparente confusión irracional, mucho del mundo íntimo de Goya.

Colección "LA TAUROMAQUIA"

40 OBRAS

Técnica: grabados
Año: 1815
Edición: 130 ejemplares previstos, en la calcografía para el ministerio de instrucción publica, solo algunos estampados en 1937
Elaborada seguramente entre 1814 y 1816, es decir, en los años de la postguerra, Goya tiene ya casi setenta años y podría pensarse, como algunos especialistas han subrayado, que existe en él un pozo de desencanto y amargura, ante las crueldades desatadas por la guerra y la postguerra. Refugiándose en la emoción de las fiestas de toros, a las que tan aficionado fue desde su juventud, el viejo artista reencuentra su pasión de vivir, o al menos, una casi rejuvenecida tensión que le hace anotar, con nerviosa y vibrante vivacidad, las suertes del toreo, la tensa embestida del toro, la gracia nerviosa del quiebre del torero, el aliento sin rostro de la multitud.

La ocasión para iniciar esta serie fue probablemente la publicación del texto de Nicolás Fernández de Moratin (Madrid, 1737-1780) "Carta histórica sobre el origen y los progresos de las fiestas de toros en España" (1777), dedicada a la historia de la corrida a partir de sus orígenes. Goya, a través de esta serie, quiso demostrar cómo la original caza de los toros a campo abierto fue sucesivamente elaborada y refinada por los Moros hasta transformarse posteriormente, bajo la monarquía de Carlos V, en el deporte de los reyes y de los príncipes.

"La Tauromaquia" fue la serie más divulgada del artista, aunque se haya dicho que de la primera edición se vendieron pocos ejemplares. Su carácter enteramente español interesó pronto en la Francia del romanticismo, que vio en sus imágenes la expresión de la fiereza y "diferencia" que marcaba una España salvaje y casi oriental." La tauromaquia" muestra la maravillosa capacidad del artista para captar el movimiento, la vida tensa, el arrebato quizás bestial de la corrida, acertando a dar unas veces la brillante luminosidad del espectáculo solar y otras, recurriendo a los efectos de un claroscuro sorprendente, casi como en el estilo tenebrista barroco, subrayando lo trágico y cruel del encuentro entre el hombre y la bestia.

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Freddy Coello